Sobre la película

Esta personal e innovadora comedia negra, con elementos dramáticos, románticos, sociales y de thriller es la segunda película del director y actor, Faouzi Bensaïdi. Junto a la actriz Nezha Rahile, ambos protagonizan una de las más sorprendentes producciones de los últimos años, cargada de libertad creativa y mucho humor negro. Como un imaginativo puzzle o fascinante juego de imágenes; géneros, escenarios y personajes atípicos, se irán entrelazando tres variopintas historias hacia un mismo destino, de un modo socarrón y coreográfico.

Con una estética original, una brillante puesta en escena y una elaborada fotografía, Bensaïdi nos sumerge a través de un cine ingenioso y de emociones, en la moderna vida de Casablanca. En esta experiencia sensorial y cinematográfica -buena muestra del nuevo leguaje audiovisual del siglo XXI-, se experimenta con la fotografía y la luz, con la fusión de géneros (comedia negra, melodrama, romance, western urbano, musical, film noir…) y con otros aspectos eclécticos, desde el cine mudo al más vanguardista. Así, WWW. What a Wonderful World se erige en un cajón de sastre audiovisual único y diferente, a la vez que convive con referentes cinematográficos, retros o actuales, como Quentin Tarantino, Wong Kar-wai, Takeshi Kitano, Aki Kaurismäki, Jean-Luc Godard, Buster Keaton, Arthur Penn, Fatih Akin, King Vidor, Pedro Almodóvar o Jacques Tati.

Detrás de los diálogos lacónicos, el humor irónico y la fachada lírica, también subyacen temas universales -la búsqueda de la felicidad, el amor, la incomunicación, la soledad…-. Y asimismo, apunta temas de rabiosa actualidad social -emigración, prostitución, violencia…-, así como del choque de culturas árabe y occidental. WWW. What a Wonderful World, título irónico donde los haya, hace igualmente referencia a las nuevas tecnologías y al mundo moderno occidental. La pantalla se despliega como un lienzo ante el uso tecnológico que nos invade (Internet, móviles, televisión, cámaras de seguridad…), al igual que los personajes, inmersos en un mundo de alta tecnología -frío y distante-, padecen paradójicamente la incomunicación humana y, por ende, un vacío sentimental, propio de nuestros días. Por ello, los tres protagonistas se aferran a buscar y soñar con el contacto y el calor humano, o bien, a la esperanza de hallar un cambio radical en sus vidas.

Y de ahí surge una peculiar historia romántica, guiada por el azar y lo prohibido: He perdido todo lo que he querido. Lo que toco se convierte en cenizas. El día que te diga “te quiero” estarás perdido…

Sobre la producción

Para Raphaël Nadjari TEHILIM supone una nueva dirección en su trabajo. Partiendo de una historia simple el director plantea temas muy complicados. Según sus propias palabras “a través de la vida cotidiana de una familia, quise mirar algo que nunca superas: la desaparición de seres queridos”.

A lo largo de su filmografía se puede observar un intento constante por entender el judaísmo dentro de sus varias comunidades pero sin caer en un estudio sociológico sino más bien buscando algo universal en lo concreto, una chispa de vida que va más allá de las identidades. Así en sus películas de Nueva York Nadjari nos acerca a las familias judías de Europa del este y luego a los expatriados israelíes en Estados Unidos. Su primera película israelí, enfoca a los judíos de Medio Oriente y por último TEHILIM se centra en una comunidad más europea, los Ashkenazi.

El lugar donde se desarrolla la acción, Jerusalén, está retratado como un lugar íntimo donde el director intentó encontrar la sensación ciudadana de fraternidad. En cuanto a la elección de los actores, varios de los cuales no son profesionales, corrió a cargo del director de casting Amit Berlowitz. Se hicieron pruebas a niños que eran hermanos de verdad aunque finalmente los acotes elegidos no resultaron estar emparentados. Nadjari destaca el trabajo no sólo de los más pequeños sino de todo el elenco de actores que mostraron una valentía y generosidad impresionantes.

El director trabajó en la estructura de la película durante tres años junto con el co-guionista Viniste Poymiro. El montaje se trabajó de forma paralela con el montador Sean Foley para evaluar las puestas en escena de la película durante el rodaje. La escritura “sobre la marcha” solo se acabó al hacer la grabación del sonido, lo que dio al guión sinceridad y fragilidad. Al grabar la música del compositor Nathaniel Mechaly en Tel-Aviv se descubrió finalmente la película con todas sus capas narrativas y su significado verdadero.

Sobre la producción

En los dos años que Chris McCandless dedicó a buscarse a sí mismo y su sitio en el mundo, adquirió la experiencia de toda una vida. La adaptación cinematográfica que Sean Penn realiza de la novela superventas Hacia rutas salvajes, de Jon Krakauer, reúne el mosaico formado por las diferentes etapas del viaje emprendido por el joven, desde la nueva identidad que adopta al principio de su viaje, pasando por la declaración de independencia que hace a su atónita familia antes de irse y lo que le enseñan las asombrosas personas que se cruzan en su camino, hasta el conjunto de errores que produjo su fallecimiento en la cúspide del viaje que tanto había cambiado su visión del mundo.

Inmediatamente después de su publicación en 1998, el libro de Jon Krakauer se convirtió en algo inusual en este mundo urbanizado: un clásico de la naturaleza. La novela conquistó a lectores de todo tipo a través de la descripción de la vida y muerte de Christopher McCandless, un adinerado joven de 24 años que renunció a una vida cómoda e intentó dejar atrás su identidad para encontrar el auténtico significado de la libertad y de la naturaleza antes de desaparecer en parajes poco conocidos para no volver jamás. El retrato de Christopher McCandless, de su búsqueda y de sus 113 increíbles días en pleno Alaska con sólo lo mínimo se convirtió en un relato inolvidable en la novela de Jon Krakauer, que surgió a partir de un artículo que escribió para la revista Outside Magazine.

Escalador y amante de la naturaleza que se siente atraído por lugares peligrosos, el autor escogió un acercamiento intimista a la historia de McCandless. Empieza planteando la pregunta de por qué algunos jóvenes estadounidenses se sienten atraídos por el riesgo. Sigue con la teoría de que los problemas familiares y la búsqueda de una vida auténtica que vaya más allá del dinero y de la ambición tienen mucho que ver con dicha atracción. La novela, rebosante de misterio e intimismo, absorbe sin por eso dejar de tocar temas de gran envergadura: el papel de la naturaleza a la hora de moldear la imaginación estadounidense; los lazos y las responsabilidades familiares; la lucha entre el individualismo en estado puro y la necesidad de amor y compañía, así como el idealismo basado en partes iguales de esperanza y orgullo.

Cada paso de su viaje está reflejado en la adaptación que realiza Sean Penn del aclamado superventas de Jon Krakauer, Hacia rutas salvajes, que habla de la insaciable añoranza de la familia, el hogar y los amigos, y de la búsqueda de la verdad y la felicidad. El espíritu inquieto de Christopher McCandless le llevó desde los inmensos campos de trigo de Dakota del Sur a un peligroso descenso por el río Colorado hasta Slab City, California, un refugio de inconformistas, y mucho más allá. En su camino, conoció a numerosos personajes pintorescos que no encajaban en la sociedad estadounidense. Estos le ayudaron a comprender la vida, y él, a su vez, les cambió. Al final decidió ponerse a prueba adentrándose solo en los bosques del Gran Norte, donde todo lo que había visto, aprendido y sentido se materializó como nunca lo había imaginado.

En su calidad de ciudadano respetuoso de la ley, Michael espera resolver la situación con la ayuda de las autoridades, pero descubre que Dreifus, de 60 años de edad, veterano héroe de guerra, es un hombre violenta que goza de conexiones y amistades en las altas esferas. A Michael, quien se debate con su crisis particular, le es difícil rendirse ante el “poder”, y es así que los días venideros van convirtiéndose en su pesadilla personal. No obstante, al mismo tiempo, esta batalla inculca en su vida un nuevo sentido, una energía prácticamente perdida. Michael debe enfrentarse a la dura y corrupta realidad que pone en peligro su propia vida y su libertad.

Lo que sigue es un descenso al lado más oscuro y perverso de Lemac, pero también al de Mickey, porque sólo enfrentándose a su propia maldad y a sus propios miedos podrá acabar con el reino de Lemac.

A pesar de que Kepesh afirma que su cuerpo es una obra de arte perfecta, Consuela es más que un objeto de deseo. Es una persona con un gran sentido de su identidad y una intensidad emocional que hace que se tambaleen las ideas preconcebidas del profesor. Consuela se convierte en una obsesión para Kepesh pero al final sus celos y sus fantasías de traición acabarán por apartarla de él.

Destrozado, Kepesh afronta los estragos del tiempo, sumergiéndose de lleno en el trabajo y sufriendo la pérdida de viejos amigos. Entonces, dos años después, Consuela vuelve a aparecer en su vida con una petición apremiante y desesperada que lo cambiará todo.

Sobre la producción

Con Elegy, ISABEL COIXET, la elogiada directora española de Mi Vida sin Mí y La Vida Secreta de las Palabras se convierte en la primera directora que aborda la obra del famoso y polémico novelista Premio Pulitzer de ficción, Philip Roth. Coixet es conocida por su intensa concentración en las vidas interiores de sus personajes.

La película presenta el combate de pasión entre una extraordinaria joven, Consuela, interpretada por PENÉLOPE CRUZ (Volver, Todo Sobre mi Madre), y un sofisticado profesor de universidad, David Kepesh, encarnado por BEN KINGSLEY (Gandhi, Sexy Beast), sin tomar partido ni emitir juicios finales. Lo que fácilmente podría considerarse una historia de seducción de orientación masculina y sus consecuencias, se convierte en una profunda investigación sobre el poder del amor y sus efectos perdurables -tanto en la belleza como en el admirador.

“Estoy en un momento de mi vida en el que puedo intentar entender a la gente -entender a los hombres” dice Coixet. “En Elegy, David Kepesh intenta escapar por medio del sexo; sin embargo, al final, a través del sexo es como encuentra el amor. Me parece bastante bonito”. De manera crucial, la directora ve a la menos experimentada Consuela de Penélope Cruz como la más poderosa: “Es la más fuerte de los dos. Quiere lo que quiere y no se avergüenza.”

-nace sin que uno se dé cuenta (aunque nunca hayas intercambiado una palabra con la otra persona),

-ataca los nervios (incluso cuando ya te has acostado con alguien),

-marca un antes y un después (porque una segunda cita puede suponer el inicio de algo más o el inicio del fin),

-implica conocer a más personas (incluidos, entre ellos, tu posible familia política)

-cambia la vida (sobre todo cuando decides compartirla con esa persona)

-se vuelve monótono (y es entonces cuando hay que salir de la rutina, como sea)

-se acaba (y duele; siempre duele)

-a veces vuelve a llevarnos a una persona a la que dejamos escapar (porque el hombre es el único animal que tropieza dos veces con la misma piedra, ¿no?)

Notas de producción

La historia de 8 citas nace de las ganas de ambos de hacer cine. Esta ilusión más un conjunto de ideas sobre la pareja y la vida en general, son las responsables de que hoy estemos a punto de estrenar en las salas nuestra primera película.

Ya teníamos el concepto: sencillo, nada pretencioso. Sería una historia de amor y ruptura en clave de comedia, contada a través de los momentos que puede atravesar cualquier pareja a lo largo de su relación. Para empezar desglosamos una relación cualquiera en lo que, a nuestro parecer, son las fases clave por las que todos pasamos alguna vez a lo largo de nuestra vida amorosa. De esta disección de las relaciones salieron 8 momentos, fases o capítulos a través de las cuales se compone una única historia: “8 citas”

8 Citas es una mirada a las relaciones, una mirada desde puntos de vista tan diferentes como el de dos jóvenes en su primera cita o un matrimonio inmerso en la rutina diaria. Una misma y única historia, la historia de todos, contada a través de distintas perspectivas.

Después de contactar con Impala el proyecto fue creciendo casi sin darnos cuenta, pero siempre se ha mantenido el concepto con el que empezamos: el de una película pequeña, de personajes. Gracias a Impala y a Tesela; a nuestros amigos y al boca a boca, hemos conseguido reunir a uno de los mejores repartos del cine español que concreta, en una hora y media, y siempre con mucho humor, la complejidad de las relaciones amorosas.

Ocho Citas es una historia por la que ya hemos pasado, por la que estamos pasando ahora mismo o por la que cada uno de nosotros pasaremos en algún momento de nuestra vida. Os invitamos a compartirla con nosotros en las salas de cine.

acompañado por unos personajes no menos singulares.

Comentarios del director

La historia: El guión se basa en el tipo de experiencia personal que no se suele compartir con otros. Ocurrió algo inesperado con las personas que leyeron la historia: también tenían una historia personal de ese tipo que compartir. De pronto, todos tenían algo que contar acerca del tema. Me quedé asombrado al descubrir que era una historia muy común que siempre se había escondido entre las sombras. Hablando con la gente oí historias realmente horribles. No usé ninguna para la película, preferí ceñirme a la que conocía bien, pero me ayudaron a entender la amplitud del fenómeno.

El guión: Escribí la primera versión en julio de 2006. Era bastante más larga que la versión final, tenía 160 páginas. Describía con mucho detalle la mañana en la residencia de estudiantes. También incluía la visita del padre de Gabita, la única escena que se cortó en el montaje. Decidí sacrificar una buena escena, llena de alusiones a la influencia paterna, para salvar la coherencia narrativa. Entretanto, Otilia se había impuesto como personaje principal. Seguí mejorando el guión durante el rodaje, sobre todo los diálogos, pero también reescribí algunas escenas. Tiendo a hacerlo cuando me he familiarizado con la localización y he repasado los diálogos con los actores. Añadí sustancia al núcleo de la película, las escenas con el Sr. Bebe, y dejé rienda suelta al ritmo de thriller de la última parte.

El contexto histórico: En 1966 fue impuesta en Rumanía una ley que prohibía el aborto. El efecto fue inmediato: la tasa de natalidad aumentó mucho después de 1966. La media de niños por clase pasó de 28 a 36. El número de aulas en los colegios aumentó de 2 ó 3 a 9 ó 10. Cuando fui al colegio, éramos varios Cristian en la clase, como si no hubiera bastantes nombres para todos. Las mujeres no tardaron en recurrir al aborto ilegal. Cuando llegó el final de la era comunista, fuentes fidedignas afirman que más de 500.000 mujeres habían muerto por abortar ilegalmente. En el contexto, el aborto perdió su connotación moral; se veía más como un acto de rebelión y resistencia contra el régimen. Después de 1989, una de las primeras medidas fue volver a legalizar el aborto. Hubo casi un millón de abortos durante el primer año, mucho más que en cualquier país de Europa. Todavía hoy el aborto se usa como método anticonceptivo en Rumanía, con más de 300.000 casos declarados anualmente.

El casting: Solo tenía claro a un actor cuando redacté el guión, a Vlad Ivanov, que hace el papel del Sr. Bebe. Había trabajado con él en un anuncio un año antes y me había quedado asombrado por su energía y su atención por los detalles. En el casting, vi a otros actores para el papel, pero solo sirvió para reforzar mi opinión. Durante el rodaje, era capaz de recitar hasta diez páginas de diálogo sin cambiar una sola palabra, exactamente con la entonación, el tono, las pausas y los gestos que habíamos acordado antes. Quise trabajar con Laura Vasiliu (que hace el papel de Gabita) en mi primer largo, Occident, pero no pudo ser. Más tarde trabajamos juntos en anuncios y vi que era capaz de generar mucha emoción. Al principio tuve mis dudas, no me parecía bastante joven para el papel, pero se encargó de disiparlas gracias a su convincente interpretación. Una semana antes de empezar a rodar seguía sin tener a la actriz principal. Ya no sabía qué hacer. Había visto a todas las actrices rumanas entre 18 y 28 años, pero no tenía a nadie para el personaje. Entonces decidí traer a Anamaria Marinca desde Londres. Se había mudado a Inglaterra después de ganar un BAFTA por su primera película. Dado que teníamos un presupuesto realmente bajo, podía parecer un gasto inútil pagar un billete de avión, pero decidí que valía la pena intentarlo. Nuestra primera reunión fue de noche, en cuanto llegó desde el aeropuerto, y fue una gran desilusión. Anamaria no tenía nada que ver con mi personaje. Sin embargo, el día siguiente, cuando leímos las escenas juntos, la transformación fue asombrosa. El personaje hablaba por la boca de Anamaria, como si estuviera poseída. Es una gran actriz. Toda la película reposa en sus hombros.

La interpretación: Siempre me empeño en que los actores se aprendan los diálogos de memoria. Tienen la oportunidad de comentar los diálogos durante los ensayos. Interpreto los diálogos y si no consigo sonar convincente, prefiero quitar una frase. Cuando se saben el diálogo, les animo a que su pronunciación no sea exacta para que parezca más natural, más hablado. Los técnicos de sonido me odian porque dejo a los actores que hablen en voz baja si eso les ayuda a dar más naturalidad al diálogo. Si de algo estoy realmente contento de la película, es de la interpretación. Alguien me dijo, después del primer visionado informal, que si se escuchaba a los personajes desde otra habitación, parecían personas hablando en un vídeo casero. Me pareció el mejor cumplido que me podían hacer.